La Biblioteca Nacional y La Nave de los Sueños presentan:
Vivir intensamente
(creadores y visionarios de este sitio del mundo)
Séptima Temporada - Cine y Música de Autor
Marzo – Mayo. Martes 19 hs.
Biblioteca Nacional de la República Argentina
Agüero 2502. Auditorio “Jorge Luis Borges” 1er. piso.
www.bn.gov.ar
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
Con enorme orgullo y entusiasmo anunciamos el inicio de esta 7ma temporada del clásico encuentro de los martes en la Biblioteca Nacional. Retomamos este saludable proyecto de difusión nacido en 2006 con el fin de alentar el surgimiento y desarrollo de voces diversas en el panorama del cine argentino, proponer la revisión atenta de obras y autores del cine independiente y ofrecer una mirada amplia de la realidad audiovisual en distintos rincones del país de la mano de sus protagonistas.
Esta nueva temporada se inicia con la invitación a recorrer el rico panorama del nuevo documental de autor. Son obras que recorren los sueños, proceso creativo y pasiones de creadores y emprendedores surgidos del cine, la música y la literatura en nuestro país. Nos encontraremos en un recorrido por un mosaico de retratos urgentes del modo de concebir el mundo, de artistas apasionados como Tata Cedrón, Haroldo Conti, Claudio Caldini, Liniers, y Alejandra Pizarnik, entre otros grandes nombres. Las películas serán presentadas por sus realizadores y equipo técnico, quienes estarán presentes en las funciones.
Vivir intensamente (creadores y visionarios de este sitio del mundo)
Martes 27 de Marzo Función apertura: Tata Cedrón. El regreso de Juancito Caminador, de Fernando Pérez (2011)
Martes 3 de Abril: El hombre que baila, de Pablo Pintor y Sergio Aisenstein (2010)
Martes 10 de Abril: Liniers, el trazo simple de las cosas, de Franca González Serra (2010)
Martes 17 de Abril: El retrato postergado, de Andrés Cuervo (2010)
Martes 24 de Abril: Memoria iluminada: Alejandra Pizarnik, de Virna Molina y Ernesto Ardito (2011)
Martes 8 de Mayo: Memoria de un escrito perdido, de Cristina Raschia (2010)
Martes 15 de Mayo: Alfredo Li Gotti, una pasión cinéfila, de Roberto Ángel Gómez (2010)
Martes 22 de Mayo: Hachazos, de Andrés Di Tella (2011)
Martes 29 de Mayo: Función sorpresa cierre del ciclo
Anfitrión y maestro de ceremonias: Mr. Miguelius
El Libro Perdido retrata las peripecias de un personaje que busca un libro y en esa búsqueda otros libros se cruzan en su camino. Encarnado por el actor Luis Ziembrowski, el protagonista recorre con febril perseverancia una ciudad poética y alucinada, en la que los libros buscan sus lectores y éstos buscan desentrañar el secreto cifrado en un texto que quizás no exista.
Coproducidos por la Biblioteca Nacional, Canal 7 y Encuentro.
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27 de Marzo Función apertura:
Tata Cedrón. El regreso de Juancito Caminador, de Fernando Pérez
Relata el regreso de “Tata” Cedrón, uno de los músicos más renovadores del Tango, quien, por razones políticas, debe exiliarse en París. Tras vivir 30 años en Francia, editar más de 30 discos y recorrer todo el continente europeo con el tango, decide regresar a la Argentina en busca de lo que perdió pero nunca olvidó.
La cámara lo acompaña en una búsqueda que supera el retorno físico a su ciudad: en este recorrido se entrelazan los relatos biográficos y musicales, donde se presenta la historia de toda una generación de artistas con los que compartió tantos momentos y proyectos.
Conocí al Tata a partir de su música. Me gusta el tango, aunque no soy “tanguero”. No soy experto. Pero encontré en el Tata una manera de cantar, de frasear, que me llamó mucho la atención. Lo mismo me ocurrió con la música del Cuarteto, sentía que estaba escuchando la música “de siempre”, pero tocada como “nunca”.
Posteriormente tuve la oportunidad de conocerlo y hablar bastante con él. Me di cuenta que esa manera tan personal de interpretar el tango, era una manera de entender la vida, de contar sus vivencias, era un modo de narrar.
El mayor desafío que encontré al realizar este documental fue elegir un recorte que me pareciera justo y al mismo tiempo narrativamente satisfactorio. Del mismo modo, crear un modo de abordaje que pudiera contar la frescura, la cercanía, la sensibilidad y las vivencias de Cedrón. Fernando Pérez.
Guion y dirección: Fernando Pérez. Producción Ejecutiva: Juan Pablo Gugliotta, Nathalia Videla Peña, para Magma Cine. Dirección de Producción: Roxana Ramos. Jefa de Producción: Luciana Condito. Dirección de Fotografía: José María Gómez. Edición: Francisco Hernández. Sonido: Sergio Korin. Asistentes de Dirección: Fernanda Otero, Félix Burgos. Música original: Tata Cedrón. Intérpretes: Cuarteto Cedrón. Elenco: Juan Carlos Cedrón, Miguel Praino, Román Cedrón, Miguel Ángel López, Paco Ibañez, Enrique Morente y Eduardo Makaroff.
Fernando Pérez estudió Ciencias de la Comunicación en la U.B.A. Trabajó en el área de contenidos audiovisuales de la Secretaría de Cultura de la Nación, hasta el año 2008, cuando decide desarrollar sus propios proyectos. Obtuvo premios e incentivos para sus realizaciones y producciones, como los telefilms Fotografías de La Pampa y Andresito Guacurarí. Ganó el concurso de TV Digital del I.N.C.A.A. con el proyecto Artesanos, serie documental finalizada recientemente.
www.tiempobeta.com.arwww.magmacine.com.ar
3 de Abril
El hombre que baila, de Pablo Pintor y Sergio Aisenstein
¿Cómo filmar la vida de un bailarín, el más grande bailarín de tango? el retrato de Héctor Mayoral no puede ser en línea recta sino con cortes, quebradas y firuletes. Así, Mayoral va hacia el pasado (el propio, el de sus amigos, el del pueblo argentino), y viaja por una Buenos Aires oblicua (y no obviamente tanguera) llevado por Gardel. Así, canciones de Manal cortan con el tango y a la vez lo continúan. El bailarín se revela como un gran contador de anécdotas y como alguien que, desde el corazón de la esencia tanguera, puede verla desde afuera y analizarla e interpretarla. Así se llega al humor, a infinitos blancos, a varios números musicales. Y así se crea un mundo excesivo, impactante, aluvional. Y así se llega a un final emocionante y magistral. Vemos a Mayoral bailando en el pasado mientras el Mayoral del presente lo comenta, logrando un altísimo momento cinematográfico. Ver (y escuchar) para creer.
Nunca se realizó una biografía tan felizmente extraña como lo es El hombre que baila, Biopic musical y onírica –con toque de surrealismo- sobre el mejor bailarín de tango del mundo Héctor Mayoral, que reconstruye su pasado en un viaje en auto conducido literalmente por Carlos Gardel.
Recupera el pasado de Buenos Aires ligado a las raíces del tango en un viaje por los emblemáticos barrios porteños como Mataderos, La Boca, Chacarita, etc. El bailarín en cuestión reunirá a su equipo de viejos compinches conducido por “Carlitos” Gardel, que culminará su trayectoria al reencontrarse consigo mismo y la esencia de una Buenos Aires tanguera.
Los directores realizan un documental ficcionalizado donde las fronteras entre un registro y otro son absolutamente fugaces. La intención de la ficcionalización onírica vislumbra el estado fantasmagórico de una Buenos Aires tanguera fusionada con los lejanos recuerdos de Mayoral. (Escribiendo cine)
Ficha técnica y artística:
Guión: Sergio Aisenstein. Dirección: Pablo Pintor y Sergio Aisenstein. Fotografía: Nicolás Thedossiu. Montaje: Sergio Aisenstein, Pablo Pintor. Producción: Daniel Lino Pérez. Elenco. Héctor Mayoral, Elsa María, Benicio Pérez, Héctor Sepulvera, Néstor Lombardo.
Pablo Pintor fue becado en dos ocasiones por la Fundación Antorchas, realizó dos largometrajes documentales en Alemania. Integró el grupo El Cineambulante, con el cual recorrió el país y realizó el film NOA, un viaje en subdesarrollo.
Sergio Aisenstein comenzó su carrera como guionista del programa de radio El tren fantasma, dos veces ganador del Premio Martín Fierro. Trabajó como director y
productor de televisión en TN, Canal (á) y Sólo Tango, donde creó el programa La menesunda.
10 de Abril
Liniers, el trazo simple de las cosas, de Franca González Serra
Este es un film sobre Liniers, uno de los más jóvenes y talentosos dibujantes de historietas argentinos. Es un documental sobre la dificultad de la hoja en blanco, los encuentros y los periplos. Pero por sobre todas las cosas, es un film sobre la manera en que un artista enfrenta día a día la creación.
En la intimidad de una casa de Montreal, mientras afuera hacen 30 grados bajo cero, Liniers dibuja, duda, sueña. Vivimos juntos durante dos meses gracias a una beca para artistas provenientes de distintas disciplinas. Nunca antes, ninguno de los dos convivió tanto tiempo con un extraño. Estoy allí para filmar una historia en Québec, pero ni siquiera las cámaras resisten el frío de la calle. La ciudad parece vacía. Este encierro forzoso me permite descubrir, de pronto, que la mejor historia a contar es la que tengo al lado mío: la de un artista que se nutre de lo cotidiano, que pinta con manchas de vino o de café, en medio del caos. Sus dibujos son simples, humanos, imperfectos. Mientras tanto, a través de la ventana, el invierno comienza a dar paso a la primavera. La convivencia nos ofrece situaciones impensadas para un realizador de cine documental: el acceso a una intimidad que atraviesa cada toma, que se palpa, que inunda la pantalla de gestos cotidianos. Comidas caseras. Borradores. Manchas. Tachones. Sábanas revueltas. Nos reencontramos un año después en una Buenos Aires calurosa, sofocante. Aquí Liniers parece otro. Acaba de ser papá por primera vez. Sus dibujos salen todos los días en la contratapa del diario La Nación, en libros, discos y revistas. Le propongo continuar el rodaje. Mostrar la contracara de Montreal. El encuentro es tenso. Se niega. Dice que un artista no puede hacer visibles los hilos que dan vida a sus marionetas. Lejos de frustrarme, busco otros caminos para construir mi relato. El film se transforma, entonces, en el devenir de un deseo. En seguir, pacientemente, el trazo simple de las cosas. Franca González Serra.
Ficha técnica:
Guión, dirección y producción: Franca González Serra. Productores asociados: MC Producciones, Marcelo Céspedes y El Desencanto. Fotografía: Jorge Crespo, Ignacio Acevedo, Sebastián González. Sonido Directo: Carlos Olmedo, Ezequiel Brodsky. Música: Cheba Massolo, Kevin Johansen. Montaje de imagen: Diego Arévalo Rosconi. Montaje sonoro: Lena Esquenazi. Dibujos e historietas: Liniers. Animación: Pablo Goitisolo. On Line y Color: Hernán Buffa. Asistente de producción: Silvana Luverá. Realizada con apoyo del I.N.C.A.A.
Franca González es productora y realizadora. Ganó el Premio al Mejor Documental del Festival de Cine de San Juan y compitió en los Festivales de la Habana, Málaga, Toulouse, Leipzig y MARFICI, entre otros. Dirigió Atrás de la vía, y trabaja en los proyectos: Inviernos y Tótem, filmado en una reserva kwakiutl cerca del golfo de Alaska. Integró el Comité de Evaluación de Films Documentales del I.N.C.A.A. y es jurado del Concurso Federal de films en Desarrollo. Fue becaria del Fondo Nacional de las Artes, del Conseil des Arts et des Lettres du Québec, de Secretaría de Cultura de la Nación, y del Programa de Investigación del Gobierno de Canadá.
www.liniersporfranca.blogspot.com
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17 de abril
El retrato postergado, de Andrés Cuervo
Gira en torno a la relación que tuvo el escritor Haroldo Conti con un joven realizador cinematográfico llamado Roberto Cuervo, a mediados de la década del 70. Haroldo recorre un período de viraje estético, en el que pasa de una literatura costumbrista a otra de alto compromiso político, cuando entabla amistad con Roberto quien comienza a filmarlo para componer un “retrato humano”. Durante los años de la última dictadura argentina Haroldo es secuestrado y asesinado, sin conocerse aún datos de su destino ni del de sus restos.
Roberto Cuervo, por su parte, muere en un trágico accidente dejando solos a su mujer Cristina, viuda a los veinticinco años, y a su único hijo Andrés.
Hoy el tiempo ha pasado; Andrés recupera el material filmado por su padre y completa la película dando cierre así al documental comenzado por hace treinta años.
Haroldo Conti fue maestro rural, actor, director teatral aficionado, seminarista, empresario de transportes, piloto civil, profesor de filosofía, guionista.
Su obra narrativa, nutrida en sus tan disimiles experiencias, posee una rara densidad descriptiva que por momentos se torna casi lírica, y un manejo poco usual del mundo de los afectos simples, que elude todo sentimentalismo fácil.
El retrato postergado es un documental auto referencial. Mientras intentaba terminar una película que mi viejo empezó sobre Haroldo Conti me encontré de cerca con un montón de cosas íntimas. Pensé entonces en contarme a mí mismo tratando de rearmar ese retrato de Haroldo inconcluso. Los audios que grabó mi viejo contienen entrevistas inéditas a Haroldo, a Galeano y a Martha Lynch que discuten enérgicamente sobre arte, literatura y política. Tengo un archivo enorme de fotos en donde las secuencias podrían funcionar como fotogramas aislados de una misma toma cinematográfica. Me puse a jugar con esas fotos y a armar pequeñas escenas junto con los audios. También cuento con un archivo fílmico que registró papá en 1975 con Haroldo actuando de sí mismo muy convincentemente.
Lo que quedó es un trabajo muy personal, pero creo que nos muestra al más real de los Haroldos. Andrés Cuervo.
Ficha técnica:
Guión, producción y dirección: Andres Cuervo. Jefe de producción: Mariano Gerbino. Asistente de dirección: Gonzalo Cánovas. Ayudante de dirección: Gabriel Rosas. Sonido: Matias Novelle. Dirección Artística: Natalia Gregorini. Fotografía: Jorge Crespo. Edición: Emiliano Serra. Música: Darío Barozzi. Animador: Parche films. Interpretes: Haroldo Conti, Eduardo Galeano, Martha Lynch. Realizada con el apoyo del I.N.C.A.A. Distribuida por Rumba Cine.
Andrés Cuervo estudió Diseño de Imagen y Sonido en la U.B.A. Trabajó en Tv como camarógrafo y luego como productor, director y guionista. Miembro de A.D.N. Asociación de documentalistas de la nación. El retrato postergado es su primer largometraje.
www.elretratopostergado.com.ar
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24 de abril
Memoria iluminada: Alejandra Pizarnik, de Virna Molina y Ernesto Ardito
La vida de la poeta Alejandra Pizarnik. Recorre los principales conflictos de su vida que fueron dejando una profunda marca en su obra, bajo el contexto de ruptura y vanguardia de los años 60’ y 70’.
Desde un lenguaje cinematográfico intimista y sensorial, y un relato cargado de tensiones psicológicas y pasionales, a puesta sumerge al espectador en el universo interno de Alejandra, para comprenderla desde su núcleo creativo y humano.
Así, sus diarios personales, sus cartas, sus poemas, el relato de sus amigos y familiares; son la herramienta que arrojan pistas sobre el misterioso camino que la llevó a su autodestrucción.
Hoy, luego de su muerte y tras ser censurada por la dictadura, fue redescubierta por las nuevas generaciones, quienes la convirtieron en un mito, siendo la poeta argentina más leída. Esta obra forma parte del ciclo Memoria Iluminada, junto a las biografías de Raymundo Gleyzer, Paco Urondo y Haroldo Conti.
Ernesto Ardito Estudió Realización cinematográfica en la Escuela de Cine de Avellaneda y Comunicación Social en la U.B.A. En 2003 estrenó el documental Raymundo, y obtiene 18 premios internacionales, considerándose el documental argentino más premiado. En 2008 concluyó el film Corazón de Fábrica sobre la fábrica Zanon, con la que obtiene 9 premios internacionales. Ambos trabajos fueron realizados junto a su pareja Virna Molina y financiados por Jan Vrijman Fund (Holanda) y Altercine Fondation (Canadá). Dicta seminarios sobre cine documental y se desempeña como jurado en festivales de cine y en los fondos de financiamiento para documentales en Argentina y Chile. Nazión un ensayo documental que narra la historia de la ultra derecha en Argentina, es su tercer film.
Ficha técnica:
Dirección: Virna Molina, Ernesto Ardito. Guión: Virna Molina, Ernesto Ardito. Producción: Virna Molina, Ernesto Ardito, Canal Encuentro. Animaciones: Virna Molina. Fotografía: Virna Molina, Ernesto Ardito. Montaje: Virna Molina, Ernesto Ardito. Intervienen: Carmela Direse Rojo, Isadora Ardito, Nika Ardito, Vanesa Molina. Distribución: Canal Encuentro.
www.arditodocumental.kinoki.es
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8 de Mayo
Memoria de un escrito perdido, de Cristina Raschia
Un viaje en el tiempo entre la década del 70 y la actualidad, de la mano de cinco mujeres (una de ellas la propia directora del film) que compartieron la prisión política en Argentina en diferentes períodos y sitios de detención, entre 1975 y 1979. Casi 25 años después, un hecho inesperado y de ribetes sorprendentes las convoca en una emotiva empresa común, a raíz de un escrito de memorias de la cárcel que dieron por perdido en 1983. Una historia de sobrevivientes para quienes, en el decir Nazim Hikmet, “nada es más cierto que la vida”. Esta obra fue premiada en el Festival Latinoamericano de Video, Festival Internacional Libercine, Selección Oficial festival Mujeres en Foco, y en el Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos.
Ficha técnica y artística:
Guión y Dirección: Cristina Raschia. Productores Ejecutivos: Diego Conejero, Juan Pablo Laserre. Jefa de Producción: Claudia González Chiappe. Música: Daniel Martín. Dirección de Fotografía: Andrei Duran. Montaje: Miguel Pérez, Alexis Pellegrini. Diseño de Sonido: Julián Caparros, Lalo Guerra. Cámaras: Andrei Duran, Fabián Garay. Asistente de Dirección: Alberto Rojas Apel. Diseño Gráfico: Adolfo Rozenfeld. Voz de La Lopre: Ana Celentano. Doble de Manos: Maricel Santin.
Entrevistadas Silvia Gabarain, Cristina Pinal, Graciela Dillet, Maria Josefa Dal Dosso, Cristina Raschia, Alba Tello. Producción: Tango Films, I.N.C.A.A., Canal Encuentro, TV Pública, Secretaría Ejecutiva de la Cinematografía Iberoamericana, Coordinación Nacional DOCTV IB II Latinoamérica.
Cristina Raschia es productora, guionista y directora de cine, directora de casting, licenciada en ciencias sociales y humanidades. Ha desarrollado una intensa labor institucional como docente, jurado y programadora de muestras y festivales. Dirigió los films Voces del universo, mensajeros del espacio, una aventura del pensamiento, la aventura de Martín, Primera sangre, el tajo, y Desde mis manos. www.cristinaraschia.blogspot.com
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15 de Mayo
Alfredo Li Gotti, una pasión cinéfila, de Roberto Ángel Gómez
Alfredo Li Gotti es uno de los más importantes coleccionistas de cine de la Argentina. Con mucho esfuerzo y sin abandonar el trabajo de toda la vida, pudo alcanzar un sueño surgido desde la voluntad de exhibir y compartir su material: tener su propia sala cinematográfica en su casa. En ese espacio mágico, enorme y sorprendente, proyecta gratuitamente sus películas desde hace más de 20 años.
Otros coleccionistas, cinéfilos, críticos, y familiares, nos permiten conocer en profundidad la vida de Alfredo, y al mismo tiempo, nos revelan el fascinante mundo del coleccionismo cinematográfico. Alfredo Li Gotti, a los 85 años, mantiene viva su pasión cinéfila. Constituyendo, una verdadera metáfora existencial, que trasciende el ámbito de la pantalla para adquirir un carácter universal, enteramente humano.
La pasión por el coleccionismo cinematográfico es retratada a través de la existencia de Alfredo Li Gotti, un amable vecino –tan obsesivo como noble, tan fetichista como generoso- que democratiza sus tesoros fílmicos proyectándolos en su propia sala. Así, este documental, en su forma más sentimental, resulta una oda al amor por el cine. Un amor que, más que un hobby o pasatiempo, es un estilo de vida. Hernán Panessi.
Ficha técnica:
Producción, Guión y Dirección: Roberto Ángel Gómez. Fotografía y Cámara: Emiliano Penelas. Jefe de Producción: Daniel Guzmán. Edición: Christian Stauffacher. Diseño y Mezcla de Sonido: Gino Gelsi. Postproducción: Rodrigo Silvestri. Música Original: Pablo Yanis. Foto Fija: Vanesa Pereira.
Roberto Ángel Gómez estudió en la Escuelas Nacional de Bellas Artes y egresó de la U.B.A como Diseñador de Imagen y Sonido. Es docente e investigador del área audiovisual, realizó numerosos cortometrajes, documentales y de ficción. Alfredo Li Gotti. Una pasión cinéfila es su primer largometraje.
www.unapasioncinefila.com.ar
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22 de Mayo
Hachazos, de Andrés Di Tella
Un hombre lleva toda su obra, que es toda su vida, dentro de una vieja valijita de cuero comprada en la India, en un tren que va de Moreno a General Rodríguez, por el conurbano bonaerense. Son los originales únicos de sus películas, todas en super-8, un formato obsoleto, en vías de extinción, que no permite copias. Esa valija es como el manuscrito de su autobiografía. Se trata de Claudio Caldini, cuidador de una quinta de los suburbios, cineasta secreto.
Muy pocos han visto sus películas. Sólo pueden verse cuando él mismo las proyecta, a veces manipulando tres o más proyectores simultáneos, cortando y pegando las viejas cintas de super 8 en el momento, transpirando, casi en trance, en una sesión de “cine en vivo” que tiene algo de ceremonia. En el cine de Caldini hay imágenes que hacen ver el mundo –y las posibilidades del cinematógrafo- de otra manera. Ponen en cuestión qué cosa es y en qué momento se produce eso que llamamos “cine”.
Caldini hace cine solo, sin dinero, sin nadie. Ata la cámara a una soga y la revolea por encima de su cabeza, pinta o perfora el celuloide, monta la cámara encima de una bicicleta, filma sombras, crea animaciones con la luz que entra por una ventana, amplía las posibilidades del cine hasta hacer lo imposible. En las extrañas imágenes que viene filmando hace ya cuatro décadas se cifra su autobiografía. Un experimento cinematográfico que es a la vez un experimento de vida.
Hablar de Caldini es también hablar de mi propia relación con el cine. La primera vez que estuve en una filmación, o algo parecido, fue cuando todavía estaba en la escuela. Se trataba de una performance en la que la artista Marta Minujín, amiga de mi madre, se enterraba viva. Yo tiraba la tierra, Caldini filmaba en super 8. Por esa época, en la Argentina se enterraban cuerpos anónimos todos los días. No lo volví a ver durante muchos años. Volver a encontrarlo, después te tanto tiempo, fue volver a encontrar una parte perdida de mi propia vida. Andrés Di Tella.
Ficha técnica:
Producción: MC Producciones. Guión y dirección: Andrés Di Tella. Producción Ejecutiva: Marcelo Céspedes. Imagen: Guillermo Ueno. Montaje: Felipe Guerrero
Asistente de dirección y colaboración en el guión: Darío Schvarzstein. Sonido directo: Pablo Demarco. Diseño de Sonido: Gino Gelsi y Jorge Gentile. Directora de Producción: Paola Pernicone. Producido con apoyo del I.N.C.A.A. Distribución: Cine Ojo.
Andrés Di Tella dirigió las películas Montoneros, una historia, Macedonio Fernández, Prohibido, La televisión y yo, Fotografías, El país del diablo y Hachazos. Fue distinguido con la Beca Guggenheim. Fundó y dirigió el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente. Dirige el Princeton Documentary Festival, en la Universidad de Princeton, Estados Unidos, donde también ha sido Visiting Professor. Se han dedicado dos libros a su obra y se realizaron diversas retrospectivas. Ha publicado ensayos en libros de Argentina, Inglaterra, Brasil, Estados Unidos y Alemania. Su primer libro, Hachazos, se publicó en simultáneo con el estreno la película.
www.fotografiasdeandresditella.blogspot.com
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La Nave de los Sueños - Gestión y producción cultural.
Staff:
Dirección: Gabriel Patrono. Programación: Gabriel Patrono y José Ludovico. Producción y contenidos: Guillermina Polimante, Daniela Pereyra, Noelia Soledad Gómez, Daniela Caballero, Giuliana Trucco. Prensa: Leandro Frias.
Maestro de ceremonias: Mr. Miguelius.
Contacto: LA NAVE DE LOS SUEÑOS
nave@naveonline.com.ar / www.naveonline.com.ar
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