25 jul 2012

Martes 31 de julio: Las Acacias, de Pablo Giorgelli


La Biblioteca Nacional y La Nave de los Sueños presentan:


LAS ACACIAS, DE PABLO GIORGELLI
MARTES 31 DE JULIO | 19 HS
BIBLIOTECA NACIONAL DE LA REPUBLICA ARGENTINA
AGÜERO 2502 | AUDITORIO JORGE LUIS BORGES | 1er PISO
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
www.bn.gov.ar | www.naveonline.com.ar



Un viaje entre Asunción del Paraguay y Buenos Aires. Un camionero debe llevar a una mujer desconocida. La mujer no está sola. Carga con su bebé. 1500 kilómetros de ruta les quedan por recorrer.
http://www.lasacaciasfilm.com




Uno no sabe exactamente porque hace las películas que hace hasta que las termina y las deja ir. Durante el proceso, encontré diferentes razones, pero nunca logré dar con una respuesta tranquilizadora. Ahora, mirando hacia atrás, siento que este viaje comenzó cuando enfermó mi padre. A partir de ahí mi mundo de entonces comenzó a desarmarse. Sin darme cuenta, me fui aislando cada vez más de mi familia y de mí mismo. De un día para otro, luego de 10 años, me separé de mi pareja de entonces y la crisis feroz que en ese momento se dio en mi país me dejó sin trabajo y casi sin hogar. Todo al mismo tiempo, en pocos meses. Fue demasiado. Esta película habla de mi dolor frente a la pérdida, de la soledad de ese momento. Del hijo que era entonces y el padre que aún no soy. Del alivio que sentí cuando descubrí que más allá de la muerte de mi padre, aún tenía una familia y pude volver a conectarme con ellos y conmigo mismo. De la nueva familia que encontré cuando conocí a María, mi mujer. Una vez leí que, aunque uno no lo sepa, siempre se escribe para alguien. Alguien sentado en la tercera fila de la sala. Esta película entonces, está dedicada a mi familia y a mi padre especialmente, fue con él que empecé a enamorarme de las películas. A María y a los hijos que aún no han llegado y esperamos. Mi padre ya no podrá verla. Espero que los hijos lleguen pronto y puedan verla algún día.
Pablo Giorgelli



Las Acacias es un film de riesgo. Sólo tres personajes, uno apenas un bebé, encerrados en la cabina de un camión durante más de ochenta minutos. Dicho así puede sonar a ese tipo de cine en el que la historia está ausente: un film minimalista y contemplativo en el que la cámara retrata fotográficamente la nada misma. Pero Las Acacias no es eso, sino todo lo contrario. Pablo Giorgelli, junto a su coguionista Salvador Roselli, cuenta una historia maravillosa. Una historia sobre dos personas desconocidas entre sí que irán creando lazos gracias a la casualidad (o causalidad) y modificando un destino que parecía inmutable. Si al comienzo ambos personajes parecieran no perturbarse ante el encuentro, y hasta generar cierta incomodidad con la sola presencia del otro, esa sensación será primordial a medida que la trama avance ya que servirá para crear climas y generar suspenso.
Escribiendo Cine


FICHA TECNICA
Dirección: Pablo Giorgelli. Guión: Pablo Giorgelli y Salvador Roselli. Elenco: Germán Da Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani. Producción: Verónica Cura y Ariel Rotter. Fotografía: Diego Poleri. Música: Fabio Zurita. Sonido: Martín Litmanovich. Montaje: María Astrauskas. Dirección arte: Yamila Fontán.


Pablo Giorgelli es guionista, director, productor y editor de cine. Dirigió el cortometraje Ultimo Sueño y varios documentales para TV. Editó los films Moebius; de Gustavo Mosquera y Sólo por Hoy; de Ariel Rotter. Su primer largometraje como realizador, Las Acacias, ganó cuatro premios en el Festival de Cannes, incluyendo la Cámara de Oro a la Mejor Opera Prima. También fue premiada en La Habana, San Sebastián, Londres, Bratislava, Biarritz entre otros. Fue estrenada en Francia en 70 pantallas con gran repercusión de público, y en Inglaterra, España, Grecia, EEUU, Noruega, Paraguay y Uruguay. Cuenta con más de veinte premios internacionales.


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SOBRE EL CICLO TIEMPO DE VALIENTES
El cine argentino de los últimos años nos ofrece permanentemente sorpresas alentadoras, que nos dan la sensación de vivir un merecido renacimiento. Estas son algunas de las grandes obras que nos da gusto encontrar en el panorama del cine, portadoras de una honestidad artística y una audacia estética que las hace poderosas.
Películas contundentes y enriquecedoras que demandan una mirada atenta y activa del espectador con logrado reconocimiento en el mundo. Programar un conjunto de estos films importantes y vigentes para compartir y discutir con sus creadores y el público de este querido ciclo el estado actual y alcance de nuestra cinematografía nos llena de entusiasmo y expectativas.
Nos espera un bimestre con historias inspiradas e inspiradoras que iluminan bien alto y nos permiten disfrutar un presente con un amplio abanico de posibilidades narrativas para la filmografía nacional y vislumbrar un futuro alentador.
Producidas con honestidad, pasión y espíritu heroico, portadoras de fuertes discursos sobre el sentido profundo de la amistad y las múltiples presencias del amor.
Proponemos pasar nuevamente juntos el invierno celebrando este séptimo año consecutivo de proyecciones y encuentros con una apasionante colección de películas impactantes, poderosas y audaces, acompañados de sus protagonistas, en el cálido marco que ofrece la Biblioteca Nacional.



LO QUE VIENE
Martes 7 de agosto. Film invitado cierre del ciclo (Chile): Te creis la más linda (Pero erís la más puta), de Che Sandoval (2010)
http://www.naveonline.com.ar


ANFITRIÓN Y MAESTRO DE CEREMONIAS
Mr. Miguelius


STAFF
Dirección: Gabriel Patrono. Programación: José Ludovico. Producción: Guillermina Polimante, Daniela Pereyra, Noelia Soledad Gómez, Daniela Caballero, Giuliana Trucco. Prensa: Leandro Frias. Maestro de ceremonias: Mr. Miguelius.


ONLINE
www.naveonline.com.ar
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18 jul 2012

Martes 24 de julio: Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner


La Biblioteca Nacional y La Nave de los Sueños presentan:



ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO, DE FERNANDO SPINER (2011)
MARTES 24 DE JULIO | 19 HS
BIBLIOTECA NACIONAL DE LA REPUBLICA ARGENTINA
AGÜERO 2502 | AUDITORIO JORGE LUIS BORGES | 1er PISO
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
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Aballay era un gaucho mal llevado, resentido, ladrón, asesino. Pero a veces la imagen que devuelve un espejo hace que una persona se replantee toda su vida. En el caso de Aballay, ese espejo fue la mirada de un niño. Luego de matar salvajemente a un hombre, la mirada aterrorizada del hijo de su víctima le dio conciencia de su salvajismo, de su falta de humanidad. Y ese golpe llenó a Aballay de confusión, de horror por sí mismo. En ese estado, oyó hablar de los estilitas. Gente que, para alejarse de la tierra en que ha pecado, y acercarse a Dios, decidía hacer una particular penitencia: subirse a una columna, y no volver a bajarse de ahí por el resto de su vida. En el campo argentino del 1900 no había columnas. Entonces Aballay decidió no volver a bajar de su caballo. Pasan los años. Cumple su promesa. No toca el suelo. No vuelve a asesinar, ni a robar. Hace rigurosa su penitencia. La gente empieza a hablar de “El Pobre”, y su imagen empieza a tomar ribetes legendarios. Se convierte, ante la mirada de la gente, en una especie de santo. Pero la mirada de ese niño no lo abandona, y él sabe que en cualquier momento lo va a buscar. Y lo va a encontrar.
http:// www.aballaypelicula.com.ar




Hay coincidencias geográficas y sociales entre la vida rural del lejano oeste norteamericano y la pampa sudamericana: grandes extensiones no conquistadas, hombres que viven a caballo y una ley ausente, que deja lugar al culto de las armas y la pelea; el relato agrega los componentes de la venganza y el duelo, que es una problemática propia del género humano, abordando así una temática de alcance global. Aballay es también un nuevo abordaje a la “gauchesca”, con el desafío de salirse del estereotipo de la “gauchesca pampeana” y de redescubrir al gaucho como personaje, con la liturgia de sus armas, su relación con la ley y su íntima vinculación con el caballo, protagonista fundamental de la colonización. Aballay retoma un género con una tradición que, entre otros títulos, abarca "Nobleza Gaucha" (1915), primer éxito del cine Argentino; "Pampa bárbara" (1945), de Lucas Demare y Hugo Fregonese; y "Juan Moreira" (1973), de Leonardo Favio. 
Fernando Spiner

Engalanada por una bruma victoriosa, aquella misma que casi la lleva a los premios Oscars, Aballay representa, en su mejor forma, el legado del cine western de estas pampas –con sus casos aislados, poco cuerpo para un dogma- y, claro, toma la posta dejada hace tiempo por el western crepuscular norteamericano. Así, con el tono magistral de Antonio Di Benedetto, responsable del cuento original, junto con la tónica impresa por Fernando Spiner, su director, Aballay deviene en buen cine, más allá de nacionalidades, géneros o estructuras. Cine que, en rigor, dialoga respetuosamente con su historia y otorga lo mejor de sí en cada munición disparada, relinche de caballo o corajeada gauchesca.
Hernán Panessi




FICHA TECNICA
Dirección: Fernando Spiner. Producción: Pablo Salomón. Guión: Fernando Spiner, Javier Diment, Santiago Hadida. Basado en el cuento de Antonio Di Benedetto. Fotografía: Claudio Beiza. Director asistente: Javier Diment. Arte: Sandra Iurcovich. Edición: Alejandro Parysow. Música: Gustavo Pomeranec. Sonido: Sebastián González. Directora de producción: Laura Bruno. Coproductores: Eduardo Carneros y Javier Ibarretxe. Asistente de dirección: Gabriel Posniak. Vestuario: Gabriela González. Jefe de producción: Nicolás Martínez Zemborain. Cámara: Miguel Caram. Producido por Boya Films en coproducción con: Armonika Entertainment, Universidad Nacional de Lomas de Zamora. En asociación con: El Otro Yo, Películas V. Con apoyo de Gobierno de Tucumán. Elenco: Pablo Cedrón, Nazareno Casero, Claudio Rissi, Moro Anghileri, Luis Ziembrowski, Lautaro Delgado, Aníbal Guiser, Fernando Spiner, Tobías Mitre, Horacio Fontova y Gabriel Goity.

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SOBRE EL CICLO TIEMPO DE VALIENTES
El cine argentino de los últimos años nos ofrece permanentemente sorpresas alentadoras, que nos dan la sensación de vivir un merecido renacimiento. Estas son algunas de las grandes obras que nos da gusto encontrar en el panorama del cine, portadoras de una honestidad artística y una audacia estética que las hace poderosas. Películas contundentes y enriquecedoras que demandan una mirada atenta y activa del espectador con logrado reconocimiento en el mundo. Programar un conjunto de estos films importantes y vigentes para compartir y discutir con sus creadores y el público de este querido ciclo el estado actual y alcance de nuestra cinematografía nos llena de entusiasmo y expectativas. Nos espera un bimestre con historias inspiradas e inspiradoras que iluminan bien alto y nos permiten disfrutar un presente con un amplio abanico de posibilidades narrativas para la filmografía nacional y vislumbrar un futuro alentador. Producidas con honestidad, pasión y espíritu heroico, portadoras de fuertes discursos sobre el sentido profundo de la amistad y las múltiples presencias del amor. Proponemos pasar nuevamente juntos el invierno celebrando este séptimo año consecutivo de proyecciones y encuentros con una apasionante colección de películas impactantes, poderosas y audaces, acompañados de sus protagonistas, en el cálido marco que ofrece la Biblioteca Nacional.

LO QUE VIENE
Martes 31 de julio. Las Acacias, de Pablo Giorgelli (2011)
Martes 7 de agosto. Film invitado cierre del ciclo (Chile): Te creis la más linda (Pero erís la más puta), de Che Sandoval (2010)
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ANFITRIÓN Y MAESTRO DE CEREMONIAS
Mr. Miguelius

STAFF
Dirección: Gabriel Patrono. Programación: José Ludovico. Producción: Guillermina Polimante, Daniela Pereyra, Noelia Soledad Gómez, Daniela Caballero, Giuliana Trucco. Prensa: Leandro Frias. Maestro de ceremonias: Mr. Miguelius.

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11 jul 2012

MARTES 17 DE JULIO: UN AMOR DE PAULA HERNÁNDEZ


La Biblioteca Nacional y La Nave de los Sueños presentan:

UN AMOR, DE PAULA HERNÁNDEZ (2011)
MARTES 17 DE JULIO | 19 HS
BIBLIOTECA NACIONAL DE LA REPUBLICA ARGENTINA
AGÜERO 2502 | AUDITORIO JORGE LUIS BORGES | 1er PISO
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
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Vacaciones de un verano de los 70. Lalo y Bruno son adolescentes, haciendo nada en días llenos de nada. Pero en una tarde húmeda y sin pedir permiso, llega Lisa, arrasando con algo más que la monotonía del pueblo. Treinta años más tarde, Lisa vuelve a irrumpir en esas dos vidas adultas.

Un amor es el amor, el paso del tiempo y cómo eso repercute en nosotros. Es el amor en la adolescencia. El momento iniciático. La huella y la bisagra de nuestra vida adulta. Es el amor como entrega a otro. Es el descubrimiento del sexo. Es despedirse para siempre de la infancia. Es pulsión y decisiones que nos marcan como tajos, dejándonos expuestos en los sentimientos más íntimos: frágiles, fuertes, vulnerables, vitales. Es un vaivén entre la ausencia de los que se quedan y el fantasma del que se va. 
Es lo que persiste y lo que falta. Es la opción de olvidar, de huir hacia adelante o de camuflar. Y “Un amor” es también, la necesidad imperiosa que a veces tenemos de volver al principio. De buscar como adultos, el lugar donde todo comenzó. O donde todo se perdió. Paula Hernández



FICHA TECNICA
Dirección: Paula Hernández. Guión: Paula Hernández y Leonel D’agostino, basado en un cuento de Sergio Bizzio. Productores: Verónica Cura y Alejandro Zito. Fotografía: Guillermo Nieto. Arte: Aili Chen. Director de Producción: Pablo Miller. Dirección de Sonido: Martin Grignaschi. Asistente de Dirección: Ana Gussoni. Edición: Rosario Suarez. Música: Axel Krygier. Elenco: Diego Peretti, Elena Roger, Luis Ziembrowski, Alan Daicz, Denise Groesman, Agustín Pardella. Producido por Utópica Cine; con Lagarto Cine, Aleph Media, Picnic Producciones, Film Suez, Nunchaku Cine, Travesía, Hibou, Morocha Films y Tarea Fina. Con apoyo de INCAA y Municipalidad de Colón. Distribuido por: Distribution Company.

Paula Hernández es egresada de la Universidad del Cine. Trabaja en la industria cinematográfica desde 1989. Sus primeros pasos fueron como asistente de producción y luego como asistente de dirección de cine publicitario y de numerosos largometrajes, como Sol de Otoño, La vida según Muriel, Naked Tango, Diario para un cuento y No place to hide. Su filmografía incluye los cortos Rojo, Kilómetro 22, Eva, el documental Familia Lugones y los largometrajes Herencia y Lluvia con quienes obtuvo innumerables premios en el país y en el exterior.

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SOBRE EL CICLO TIEMPO DE VALIENTES
El cine argentino de los últimos años nos ofrece permanentemente sorpresas alentadoras, que nos dan la sensación de vivir un merecido renacimiento. Estas son algunas de las grandes obras que nos da gusto encontrar en el panorama del cine, portadoras de una honestidad artística y una audacia estética que las hace poderosas. Películas contundentes y enriquecedoras que demandan una mirada atenta y activa del espectador con logrado reconocimiento en el mundo. Programar un conjunto de estos films importantes y vigentes para compartir y discutir con sus creadores y el público de este querido ciclo el estado actual y alcance de nuestra cinematografía nos llena de entusiasmo y expectativas. Nos espera un bimestre con historias inspiradas e inspiradoras que iluminan bien alto y nos permiten disfrutar un presente con un amplio abanico de posibilidades narrativas para la filmografía nacional y vislumbrar un futuro alentador. Producidas con honestidad, pasión y espíritu heroico, portadoras de fuertes discursos sobre el sentido profundo de la amistad y las múltiples presencias del amor. Proponemos pasar nuevamente juntos el invierno celebrando este séptimo año consecutivo de proyecciones y encuentros con una apasionante colección de películas impactantes, poderosas y audaces, acompañados de sus protagonistas, en el cálido marco que ofrece la Biblioteca Nacional.

LO QUE VIENE
Martes 24 de julio. Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner (2011)
Martes 31 de julio. Las Acacias, de Pablo Giorgelli (2011)
Martes 7 de agosto. Film invitado cierre del ciclo (Chile): Te creis la más linda (Pero erís la más puta), de Che Sandoval (2010)
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ANFITRIÓN Y MAESTRO DE CEREMONIAS
Mr. Miguelius

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Dirección: Gabriel Patrono. Programación: José Ludovico. Producción: Guillermina Polimante, Daniela Pereyra, Noelia Soledad Gómez, Daniela Caballero, Giuliana Trucco. Prensa: Leandro Frias. Maestro de ceremonias: Mr. Miguelius.

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7 jul 2012

Entrevista a Jorge Polaco


Polaco, el profundo cine de autor 

La idiosincrasia del director de cine a través de su filmografía y de sus palabras. El estilo del director argentino desarrollado en ideas y reflexiones en primera persona.


-Entre crema y dulce de leche, entre sonrisas, gente que tiene miedo y gente que no lo tiene. De todo lo que podría ser esta nota y no lo es por ahora. Esta religión que es el cine. Entre padres muertos y madres muertas. Hacia dónde vamos, qué decimos.

Jorge Polaco empieza a hablar lento, con una voz tenue. La situación de entrevista lo pone en duda. Al artista que filmó su primera película “Margotita” en 1983 le preguntamos sobre el hacer cinematográfico, sobre la creencia en “esta religión” que se muestra en la pantalla grande:
-El cine hoy promete ser, pero no es nada, por la falta de entidad que tiene. Esta falta de identidad del cine es un fenómeno que se da en todo el mundo.  Cuando empezó no era eso y a mí me resulta muy doloroso encontrar cine sin entidad. No se puede hacer nada contra ese veneno, la falsedad, o la cosa ya hecha, ya dibujada. No se puede hacer nada porque habría que cambiar la vida de todos los cineastas. El cine es el lugar donde convergen todas las artes, y las otras artes son incompletas, yo creo que el cine no. Yo creo que pese a todo, hay que levantar la copa, y brindar por el cine, después de haberlo castigado tanto, después de haber estrenado esas películas terribles.

¿Cómo trabajás tus películas dentro de esa situación de no entidad del cine?
-Es muy doloroso también. Las causas son muchas y son ninguna. Qué hago yo, qué siento yo cuando hago una película. En dos semanas voy a trabajar en la película El príncipe azul y hoy no sé nada de esa película, no conozco ni a los actores y me asusta mucho.

Tiene diez largometrajes. Obras de teatro, escritas y dirigidas. Y los temas que giran en torno a sus creaciones tienen que ver con lo profundo del ser humano, el amor, la pasión, la vejez, la muerte. ¿Cómo aparecen esos temas en la obra artística?
-Los temas de mis películas son temas que nacen con la vida y luego con la muerte. Tiene que ver con tu madre cuando te parió y todo lo que se da alrededor de tu vida. Un tema que tiene que ver con la familia interior, es todo lo que le pasa a la familia interiormente. Mis películas salen de las entrañas. Quintín dijo que no son películas que estén hechas para juzgar. No son ni buenas ni malas. Uno no está acostumbrado a ver ese tipo de historias, porque duele mucho, son muy terribles.

¿Qué cosas te motivan al momento de hacer tus películas? ¿Cómo surge y se desarrolla la idea?
-Hay cosas que te motivan, pero eso no es lo que queda. Lo que queda tenés que cuidarlo mucho. Estoy mirando y veo que el zapato de ella se mueve, ¿que pasa? ¿No podrá salir del fango? ¿Tendrá piso de nácar en la casa? ¿Cómo será esa chica? ¿Es una chica o un chico? ¿Cómo será? ¿Se puede mover? ¿Tiene la misma enfermedad que yo? ¿Qué pasa con esos zapatos? Muévanse por favor. No muéranse, muévanse.

Empezó su camino cinematográfico con Margotita, Diapasón y las películas que se meten con el drama del ser humano. Kindergarten, la historia de los lazos familiares entre la muerte y el amor no tuvo estreno comercial. En casi treinta años de creación y otros de silencio, ¿qué cosas cambiaron en su hacer?
-Hay un proceso donde se da todo y no se da nada. Antes de hacer Diapasón había hecho Margotita y ahí fui el hombre más feliz de la Tierra. Terminé la película y la llevé al cine Lorca y les pedí que me la proyecten en 16 mm. Aceptaron hacer esa proyección y se enamoraron de la película y me ayudaron mucho. Es imperdonable no continuar con esa línea, entonces indagué mucho a la gente amiga y no amiga que me expliquen qué pasaba que yo no podía continuar con Diapasón. Con el tiempo me di cuenta que la primera vez no se repite más, eso pasa con todos los cineastas, lo que pasa es que la mayoría no lo quieren aceptar, es una negación total de una realidad muy triste. Con Margotita tuve en los primeros tres meses 16 premios  muy importantes, la actriz saca el premio a la mejor humanidad, y yo soy considerado un monstruo. Yo no estaba acostumbrado y tampoco quise acostumbrarme a un facilismo como un premio. Nunca fui facilista y no sé si lo seré o no, creo que lo esencial de la personalidad no pasa por ahí. Los premios yo los detesté, y los sigo detestando. Siempre recuerdo a Nietzche cuando decía que cuando uno no tiene un premio es algo que le falta, cuando uno lo tiene, le parece que es poco y cuando uno lo pierde, desespera.

La belleza vista desde otro aspecto. Lo feo, lo doloroso, la decadencia, lo complejo de las personas aparece en cada una de sus obras. ¿A qué atribuye el reconocimiento que tiene en todo el mundo, al mismo tiempo que se da la dificultad para estrenar sus películas en el país?
-Son películas difíciles, que hablan de nosotros exclusivamente, se ocupan del ser humano, del carenciado, del triste, del que no tiene nada y te culpabilizan. Hacen evidentes todas esas cosas que uno tiene y que no quiere oír ni soñarlas, esas cosas que uno odia, esa fealdad de la vida. Además hablan de un estilo reconocible, y a nadie le gusta pertenecer al género basura. Si habría que darle un nombre a mis películas, en donde yacen, en donde mueren, en donde renacen, es un estilo basura, y es muy difícil aceptar que uno pertenece a ese estilo. Yo llevo mis películas a todos los festivales del mundo, van caminando conmigo y la gente me recuerda, porque recuerda esas películas, no las pueden olvidar porque duelen como el cuerpo, son llagas que duelen. Yo en esas películas manifiesto lo que pienso, el precio es alto. Es muy difícil estrenar una película de ese tipo.

El año pasado “Arroz con leche”, la última obra de Polaco, se proyectó en el Festival Internacional de Cine Independiente de la ciudad de Buenos Aires (BAFICI). Este año se va proyectar en la Biblioteca Nacional y todavía espera el estreno oficial. Otra historia del estilo Polaco. El cine de autor se manifiesta una vez más, con historias profundas, con la presencia de Isabel Sarli, y con los recursos que caracterizan su obra, como la música lírica.

-La música lírica le agrega ese lirismo que falta en la película, porque cuenta historias muy cortitas. Cuenta sin psicologismo, sobre todo tragedias, y lo cuenta con pocas frases y me parece que eso es fundamental para el cine. El cine no aplaude las historias chiquitas, generalmente es ampuloso. En Diapasón al comienzo se escucha la ópera Fausto y se escucha Carmen más adelante.

¿Cuáles son los próximos proyectos?
-Cuando termine el proyecto de El príncipe azul voy a retomar el de Carmen, ya tengo el guión. Y no sé si va a quedar la versión que estoy trabajando porque yo no respeto mucho los libros cinematográficos, no creo que haya que justificar los proyectos de ese tipo, creo que están ahí esperando que los conmuevan.

Jorge Polaco toca las entrañas con esos temas que conmueven y muestra lo más íntimo de los personajes. Dudoso al principio, para afirmarse después en su arte, de contar, de crear desde el dolor, desde la complejidad, desde la entidad de las personas y el cine.

Texto y fotos: José Ludovico, Daniela Pereyra y Giuliana Trucco

4 jul 2012

Martes 10 de julio: Preestreno de Arroz con leche, de Jorge Polaco


La Biblioteca Nacional y La Nave de los Sueños presentan:


HOMENAJE Y PRE-ESTRENO
ARROZ CON LECHE, DE JORGE POLACO
MARTES 10 DE JULIO | 19 HS
BIBLIOTECA NACIONAL DE LA REPUBLICA ARGENTINA
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Jenaro, un viudo de 75 años, vive junto a su hija Rosa y su yerno Jacinto. Por algunos disturbios que provoca Jenaro, su hija Rosa impulsada por Jacinto, decide internarlo en un geriátrico en las afueras de la ciudad. Rosa y Jacinto dejan a Jenaro en el geriátrico y en el viaje de vuelta sufren un accidente, que les provoca horribles consecuencias. Mientras tanto en el geriátrico, regenteado por religiosas, Jenaro comienza con una verdadera revolución. Es allí cuando descubre un incentivo para su vida: se enamora, les enseña a los abuelos a pelear por sus derechos, despierta pasiones entre las monjas. El asilo se ve transformado y esta transformación personal de Jenaro ya no tendrá vuelta atrás.



  
Desde su corto en Súper 8 Margotita, construido a partir de la figura senil de Margot Moreyra, las representaciones de la vejez fueron sustanciales para definir la estética del cine de Jorge Polaco. Ahora, centrándose casi exclusivamente en esa línea, construye una película sobre dos hermanos que deciden internar a su padre en un geriátrico, donde la vejez parece convertirse en una nueva infancia pero sin el tufillo a ternura ni la mirada compasiva. Con su característica teatralidad del exceso, yendo desde la performance esperpéntica hasta la poesía ultrakitsch, sin dejar de pasar por una comicidad desconcertante, la película puede convertirse en una musical naif o en una serie de estampitas de las divinidades más descartadas de cualquier credo. (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente)


Con los años, Jorge Polaco se convirtió en el más resistido, el más discutido y, seguramente, el único gran artista del cine argentino. Las películas de Polaco son materia que se amasa a la vista del espectador, como descubrimos en un cuadro el grosor o la aspereza de la pintura o en el escultor la resistencia del material al peso de la maza. Sus films no vienen hechos: el espectador los ve hacerse -realizarse- ante su mirada, vehículo a la larga tan creativo como el del artista, en un trabajo que es para compartir.
Claudio España


FICHA TECNICA:

Dirección: Jorge Polaco. Guión: Jorge Polaco, sobre la novela Papá, ¡no te escapes del asilo!, de Antonio Moneo. Asistente de Dirección: Antonio Barrio. Ayudante de dirección: Virginia Scaro. Producción: Oscar Marcos Azar. Producción ejecutiva: Sebastián Perillo. Jefe de Producción: Laura Ponte. Asistente de producción: Nicolás Capola. Asistente de producción: Hendrik Mijers. Asistente de producción: Malena Roldán. Jefe de locaciones: Maximiliano Hunglinger, Iván Iannamico. Fotografía y Cámara: José Trela. Asistente de cámara: Juan Aguirre. Dirección de sonido: Pablo Sala. Sonido directo: Paula Ramírez. Montaje: Liliana Nadal. Escenografía: Ben Waisman, Leo Tamer. Gaffer: Leo Tamer. Elenco: Jorge Ochoa, María Alejandra Figueroa, Ariel Gigena, Isabel Sarli.



Entrar a la filmografía de Jorge Polaco es aceptar previamente un código diferente para decir las cosas. Así definían el trabajo del cineasta en una muestra retrospectiva realizada en España hace unos años. Polaco es un artista único en el contexto del cine Argentino. Amado, polémico y resistido, es un luchador incansable y un destacado protagonista que ha sido portador de propuestas valientes y personales durante los últimos 30 años de cine Argentino. Entre sus películas se destacan Diapasón (1985) con la que obtuvo una mención especial en el Festival internacional de Locarno En el nombre del hijo (1987) galardonada con el Delfín de oro en el Festival internacional de Troia Kindergarten (1990), Siempre es difícil volver a casa (1992), La dama regresa (1996) donde exalta y desmesura lo visual. Recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival internacional de Amiens Viaje por el cuerpo (2001) ganadora del Primer Premio en el Festival latinoamericano de New York; y numerosos cortos como el recordado retrato a la actriz Margot Moreyra, Margotita y el reciente A Berta Singerman. El cine de Jorge Polaco se destaca por narrar historias intimistas donde los personajes no nos dejan indiferentes y la teatralidad nos ofrece un contrapunto muy interesante en conjunto con los movimientos de cámara.

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El cine argentino de los últimos años nos ofrece permanentemente sorpresas alentadoras, que nos dan la sensación de vivir un merecido renacimiento. Estas son algunas de las grandes obras que nos da gusto encontrar en el panorama del cine, portadoras de una honestidad artística y una audacia estética que las hace poderosas. Películas contundentes y enriquecedoras que demandan una mirada atenta y activa del espectador con logrado reconocimiento en el mundo. Programar un conjunto de estos films importantes y vigentes para compartir y discutir con sus creadores y el público de este querido ciclo el estado actual y alcance de nuestra cinematografía nos llena de entusiasmo y expectativas. Nos espera un bimestre con historias inspiradas e inspiradoras que iluminan bien alto y nos permiten disfrutar un presente con un amplio abanico de posibilidades narrativas para la filmografía nacional y vislumbrar un futuro alentador. Producidas con honestidad, pasión y espíritu heroico, portadoras de fuertes discursos sobre el sentido profundo de la amistad y las múltiples presencias del amor. Proponemos pasar nuevamente juntos el invierno celebrando este séptimo año consecutivo de proyecciones y encuentros con una apasionante colección de películas impactantes, poderosas y audaces, acompañados de sus protagonistas, en el cálido marco que ofrece la Biblioteca Nacional.


LO QUE VIENE
Martes 17 de julio. Un amor, de Paula Hernández (2011)
Martes 24 de julio. Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner (2011)
Martes 31 de julio. Las Acacias, de Pablo Giorgelli (2011)
Martes 7 de agosto. Film invitado cierre del ciclo (Chile): Te creis la más linda (Pero erís la más puta), de Che Sandoval (2010)

ANFITRIÓN Y MAESTRO DE CEREMONIAS: Mr. Miguelius

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Dirección: Gabriel Patrono. Programación: José Ludovico. Producción: Guillermina Polimante, Daniela Pereyra, Noelia Soledad Gómez, Daniela Caballero, Giuliana Trucco. Prensa: Leandro Frias. Maestro de ceremonias: Mr. Miguelius.

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